Flixel es una librería de código creada para facilitar el desarrollo de juegos en ActionScript 3. Si no he escrito nada acerca de ella es porque apenas estoy entendiendola. Ya habrá su momento, espero que acompañado de algún jueguillo de muestra.

El uso de la palabra “fabuloso” en el primer párrafo muy probablemente raya en el rango de lo exagerado, pero entre los recursos que pude encontrarme es el que más se amoldó a mis necesidades. El tutorial no es exhaustivo, no pretende enseñar ActionScript 3 (al contrario, supone que el lector está familiarizado con el mismo) y está basado en una versión anterior de Flixel (2.43), por lo que hay que cambiar ciertas cosas si se desea utilizar la más nueva librería del sitio oficial. Es por eso mismo, porque explica bastante pero no lo pone todo en bandeja de plata, que decidí que éste era el mejor a seguir en mi caso. Al fin y al cabo, la mejor manera de aprender es ensuciándose las manos (aunque sea suciedad virtual).

Tristemente parece que el autor, Chipacabra, dejó de actualizar el blog en marzo del año pasado, por las fechas en las que la versión 2.5 de Flixel fué liberada. Otro de esos héroes olvidados de internet, probablemente.

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Asura’s Wrath

Llegué a él con el entendido de que no era más que un God of war de la casa de Megaman. Media hora después mi opinión cambió de rumbo, aunque no radicalmente. Asura’s Wrath le hace justicia al nombre de “juego de acción”, pues si el demo es una pista de lo que quieren enfatizar entonces será una avalancha de acción sin límites donde no puedes quedarte inmóvil por más de unos segundos sin esperar la muerte. En cuestión de gameplay creo que tiene potencial, en escencia no sólo me recordó a la obra de Sony, sino a títulos más dinámicos como Sin & Punishment. Lo que sí comparte, desafortunadamente, es el mismo personaje: una deidad, traicionada y despojada de sus poderes e inmerso en un deseo de venganza implacable que le hará volver de las cenizas y enfrentarse a todas las entidades divinas de su respectiva cosmogonía. Esa descripción fácilmente casca no sólo con God of War, sino con una gran cantidad de videojuegos recientes, lo cual denota la carencia de creatividad a la hora de inventar personajes y el abuso de las “fórmulas ganadoras” que plaga a la industria hoy en día. Sin embargo, no alcanzo a entender si Asura es una víctima de éstas prácticas o una sátira de las mismas. El estereotipo de rudeza y de ira desenfrenada son llevadas a su extremo más ridículo, reforzado por los retos titánicos en los que se ve involucrado el protagonista. Pelear a golpes en la luna, una katana tan larga que atraviesa la tierra mientras hace brocheta de nuestro personaje y la pelea con el dedo de un ser del tamaño de un planeta son muestras de lo que nos espera. Con sus personajes salidos del rincón más exagerado del anime y su trama mil veces vista mi entusiasmo se ve un tanto disminuído, aunque aún podría comprarlo porque la parte jugable, en sí, se vé divertida.

Final Fantasy XIII – 2

En mi opinión, la segunda secuela directa que un título de la saga ha tenido juega un rol muy distinto al de la primera ocasión. Si recuerdan, X – 2 fué un esfuerzo grosero por ordeñar hasta la última gota a uno de los capítulos más exitosos de la franquicia. XIII – 2, por su parte, es una especie de disculpa, un intento de Square Enix por redimir al buen engine que subutilizaron en XIII (sé que hay detractores del nuevo modo de pelea, pero yo lo hallé innovador y práctico),  dotándolo de un juego que ahora si se siente un RPG en forma y no tanto un mero escaparate lineal que se limita a presentar enemigos progresivamente más difíciles, sin un mundo o personajes que resulten relevantes.

Curiosamente, puede que incluso se les haya pasado la mano un poco en su ánimo redentor. Además de que al parecer las áreas a explorar ya no serán enormes pasillos disfrazados de calabozo, sino estructuras más intrincadas, el juego añade casi medio pokémon a la receta. Ahora, los enemigos serán capturables en forma de cristales y podrán ser utilizados en la pelea como un personaje extra en el equipo de los héroes. Ya había escuchado de ésto por allá en las épocas del lanzamiento del primer trailer, pero tenía que verlo en ejecución por cuenta propia para creerlo/entenderlo. Para mi sorpresa, no está tan mal como suena.

De entrada, si no jugaron el original entender éste sistema les tomará un buen rato. La curva de aprendizaje sigue siendo muy agresiva, pero creo que una vez dominada la idea principal el sistema se vuelve sencillo. No pretendo explicarlo aquí porque ni si quiera Square se atrevería a tratar de hacerlo en pocas palabras. Sólo lo dejo como nota para aquellos que consideren jugarlo. Si, como yo, vienen de jugar la aventura de Lightning (y disfrutarlo), creo que éste es un paso en la dirección correcta. Si vienen de la ignominia total, supongo que éste sería un mejor punto de partida que XIII.

Sea como sea, mi temor reside en el mismo lugar: el punto flaco del título anterior fué que se le dificultó horrores el crear un mundo de juego que te importe como jugador. Casi nadie del casting original me generó simpatía alguna (y me entero de que vuelven casi todos de alguna u otra forma), con sus personajes de molde sin profundidad alguna, su universo indiferente y su villano que nunca terminó de convencer. Lightning era, como coloquialmente se dice, mi gallo, pero su personaje también empezó a caer por ahí del segundo tercio de la trama. Me parece que el estilo de los nuevos anda por las mismas sendas oscuras, espero equivocarme. Con la adición del viaje en el tiempo y la capacidad de revisitar las áreas anteriores del juego hay un poco más de corazón – o al menos de potencial – involucrado, pero si lo mejor en la nueva entrega es el pseudo-pokémon creo que no estaré dispuesto a gastar otras 60-80 horas en ella.

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La aplicación consta de un sintetizador con diversas señales predeterminadas que ya suenan como algo a lo que ya estamos acostumbrados a oír en un videojuego: saltos, monedas, disparos. Una vez generada la muestra, el usuario puede alterar una cantidad bastante considerable de parámetros de sonido para que el efecto suene tal y como éste desee. Además, permite mezclar varias de las muestras creadas para obtener un efecto más complejo. Toda una joyita, pues, al maravilloso precio de cero y disponible tanto en forma de aplicación de Adobe Air como en su internet más cercano.

Si les gusta, asegúrense de regalarle un click (o un donativo, que también los acepta gustoso) a increpare, desarrollador de juegos a quien le debemos esta simpática y magnífica aplicación.

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Haz click en la imagen para jugar

En espíritu es completamente retro. Lo publico como beta para sentirme más Google que nunca, así que aún hay cosas por componer pero creo que la parte que es capaz de divertirlos ya está más que lista.

Los SDAs son difíciles de controlar en el juego A PROPÓSITO, pues tal como lo expusiera Ian Bogost en Persuasive Games, los videojuegos tienen el poder de comunicar ideas de una manera completamente diferente a los medios clásicos. No através de imágenes o palabras, sino a través de los procesos que contienen y las reglas que los gobiernan. En la vida real los dispositivos también son difíciles de controlar, con éste juego hago énfasis en la idea de que necesita perfeccionarse el esquema de control propuesto. Sé que no escogí un tema relevante para más del 0.00001% de la población, pero eso me ocupará en ocasiones posteriores.

Por lo pronto, espero que lo disfruten!

Ah y para ser fiel a las licencias de Copyleft, la canción del menú es Galactic coursing (1 x Spectrum, 5 channels), de Mister Beep. Los demás efectos los hice yo con MilkyTracker, una pieza de software muy divertida que apenas hoy tuve el valor de comenzar a aprender a usar.

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¿Por dónde empezar? De Bit Trip Runner ya hablé con anterioridad, y Cave Story es en mi humilde opinión el mejor juego indie de la historia (además de ser uno de los títulos a los que la esfera indie le debe más). Super Meat Boy fué aclamado por cualquier lado como el mejor juego descargable del 2010, seguido de cerca por Shank. De Jamestown no había escuchado nada hasta ayer que lo compré y me enamoré instantáneamente, es como un Metal Slug en shoot’em up, con una atmósfera en parte lovecraftiana y en parte spaguetti western. NightSky era igualmente desconocido para mí y también resultó una agradable sorpresa: un puzzle físico con suficiente personalidad para destacar del enorme montón. El único que desmerece a mi parecer es Gratuitous Space Battles, la interfaz de juego me abruma hasta la muerte y por más que me gusten los juegos de estrategia éste me resulta excesivo.

Si van a comprar un Humble Indie Bundle, que sea éste por favor.

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Está de sobra aclarar mi absoluta fascinación por la leyenda de Zelda y cómo ha sido una de las cosas más influyentes en mi vida de videojugador (y un poquito en lo demás, ¿porqué negarlo?). Siendo así, no podría sino echar mano de todo lo que estuviere a mi alcance para hacerme del más reciente capítulo, Skyward Sword, el día de su lanzamiento en nuestro continente; gracias a Dios y a mis queridos padres se me cumplió el capricho. Para no estar empleado éstas dos semanas pasadas me surgieron muchas más obligaciones y compromisos de los que cualquiera hubiera advinado, pero no pudieron detenerme de darle fin éste martes y traerles una completamente no requerida reseña/reflexión de mi parte. Trataré de mantener los spoilers al mínimo, espero que la disfruten!

Es posible aproximar a Skyward Sword al resultado de una hipotética mezcla entre los dos últimos títulos para consola de la saga: Twilight Princess y Wind Waker, para comprender su naturaleza. No pretende ser ni tan realista como el primero ni tan caricaturesco como el segundo. Rompe con suficientes esquemas para resultar fresco e innovador, pero mantiene en el corazón la identidad de las grandes historias que durante éstos 25 años han constituído la leyenda de Zelda. No se toma a sí mismo tan en serio – incluso te hace bromas cuando encuentras rupias de alto valor -, pero cuando lo hace ofrece una de las mejores narrativas que la saga haya visto.

El mundo del juego se sienté más como el Hyrule bajo el agua de Wind Waker que ninguna otra cosa, despegado pero consistente. Con un nombre diferente – o sin nombre, si gustan de ser estrictos- y para nada tan vasto, pero bajo la dirección de la trama ésto es una ventaja. Si mucho el cielo se siente un tanto vacío y uno llega a preguntarse cómo la gente de Skyloft no se aburre hasta la muerte, pero afortunadamente nuestro héroe no tarda mucho en bajar a la superficie después del emotivo y cursi capítulo introductorio y la aventura comienza en grande.

Cabe mencionar que Skyward Sword es el único zelda hecho PARA Wii. Mientras que Twilight Princess sufrió de una reubicación inadecuada, Skyward es la epítome de la consola de Nintendo y se nota. Los controles son excelentes, no en cuanto a imitar uno a uno el movimiento de una espada real sino a funcionar coherentemente con la tecnología propuesta: el Wii Motion Plus. Más allá de la exactitud, ésta vez la tecnología de Wii se siente relevante y parte central de la experiencia, de modo que el mismo efecto no se hubiera podido lograr en ningún otra consola. No es un juego al que se le añadieron controles de movimiento, es un juego cuyo principio de diseño primario (más no único) es el control por movimiento, convirtiéndose en una de las experiencias sui generis predilectas que ésta generación de consolas tendrá. El sistema de combate se vuelve fácilmente el mejor de toda la saga gracias a éste simple pero poderoso detalle. No cabe duda que es uno de esos proyectos sobre los cuales Nintendo vuelca todo su amor.

Ésto, sin embargo podría ser un tanto peligroso para la compañía. Es una tendencia que tuvo una fuerte pisada durante los últimos 5 años: Nintendo era el único que comprendía a su consola. Muchos se quejaron del peso de las franquicias establecidas de toda la vida (bueno, 25 años es toda MI vida al menos), pero lo cierto es que si la casa de Mario sólo producía hits mientras los otros se quedaban viendo y limitándose a lanzar juegos de carnaval era porque sólo ellos entendían en toda su extensión el paradigma que Wii representaba. Es cierto que hubo gente que intentó y fracasó (me suena mucho el caso de Sega y su MadWorld), pero ni la actitud inicial de Nintendo (publicar sus miles de WiiSomething) ni el compromiso de las third parties con los juegos casuales (porque, al final de cuentas ésto es un negocio) ayudó a voltear ésta particular tortilla del entretenimiento. Siendo de casa es justo que el mejor juego de la consola venga de ellos, pero que todos los demás desarrolladores estén a años luz de éste título es un poco alarmante. Recordemos lo revolucionario de Dreamcast y sus míticos juegos, todos desarrollados por SEGA, y en lo que terminó esa historia.

Si en algo se ha caracterizado la franquicia de Hyrule es en ser un ejemplo de cómo casi alcanzar la perfección en el diseño de niveles y Skyward Sworn no sólo matiene ese estándar sino lo pone un poco más alto, como si fuera posible. Las mecánicas de juego van uno a uno con los retos que el juego plantea y casi nunca se siente flojo, sin ritmo o sin reto. No es perfecto, pues los dos templos de la región volcánica me parecieron un tanto mediocres, talvez porque palidecen ante la genialidad de los demás. Los calabozos, los jefes y en especial los artefactos obtenidos como tesoros de las mazmoras ofrecen acertijos y retos frescos al jugador veterano de zelda; ni siquiera hay boomerang (¡sacrilegio!). Como ejemplo, al jugar el primer templo y obtener el escarabajillo simpático supuse que al bicho en cuestión le sucedería algo similar al trompo/patineta de Twilight Princess: muy divertido de usar en su templo, completamente inútil en todos los demás lugares (sólo justifica su existencia la pelea más loca que un zelda ha tenido). Para mi sorpresa no sólo es útil, sino que se convirtió en mi ítem favorito fuera del templo y a lo largo de toda la aventura gracias a los ingeniosos problemas que el equipo desarrollador puso en frente del joven elfo.

No están ustedes para saberlo, pero desde pequeño me ha apasionado el diseño de niveles; recuerdo algún día sentado en la oficina de mi padre, armado con no más que un lápiz y una hoja reusada de algun juicio de amparo o qué se yo, dibujando nuevos mapas para el mundo 8 de Super Mario Bros. 3 o el escenario de algún nuevo jefe hipotético de Megaman. Desde que he estado leyendo los trabajos de los señores Schell, Bogost y Abbott (más bien escuchando los del último), ésto sólo ha empeorado pues, aunque ya no ando haciendo garabatos, sí me puedo tornar muy analítico cuando tengo en mis manos un nuevo título y exploro sus niveles. Con Skyward Sword me olvidé un sin fin de veces de mi práctica común porque el juego era simplemente divertido. En ciertas ocasiones si me detenía a pensar en lo brillante de alguna mecánica o, en menos ocasiones, en el potencial perdido de alguna otra, pero por lo general me limitaba a pasármela excelente desenvolviendo la historia y desenmarañando acertijos. En resumen, no podía evitar disfrutarlo; sobre todo porque en ésta ocasión los retos y acertijos no se limitan a los calabozos, sino que cubren prácticamente todos los pasajes y áreas, haciendo de la experiencia un deleite mental continuo.

Otro de los factores cruciales, que casi podría decirse que la franquicia institucionalizó, son las peleas de jefes. En Skyward son muy buenas, pero tienen una dinámica muy distinta. <spoiler ligero> Hay villanos recurrentes a lo largo de la travesía y son precisamente éstos los que ofrecen los enfrentamientos más divertidos, ingeniosos y retadores del episodio, en partes iguales extenuantes y entretenidos. Además, no todas las peleas ocurren dentro del cuarto final de un calabozo, sino que se fusionan con la narración para crear una historia mucho más rica y no tan sacrificada en aras de la estructura, como suele suceder en un Zelda más tradicional</spoiler ligero>.

El aspecto gráfico de juego es encantador. Para nada el más poderoso del mundo, ni siquiera lo intenta y es justo por eso que sus detractores se equivocan más duramente. Skyward Sword no es un ejemplo de cómo empujar la tecnología comercial a sus límites, sino de cómo encaminarla a servir un propósito y temas establecidos por sus autores. Skyward sword pertenece a la vertiente del impresionismo tanto como Monet. Los colores vibrantes, los personajes escasos de detalle pero abundantes en personalidad (gráfica, no sólo narrativa), los diseños y paisajes realmente evocativos del cuento de hadas clásico. En contra de los ocho mil Call of Dutys/Battlefields/Matamatas en el mercado, de los cuales no puedes diferenciar uno de otro ni jugándolos, es claro que la potencia gráfica no es la piedra angular para la construcción de la identidad de un título.

La música, por su parte, está a la altura de la saga como casi ningún otro. Me atrevería a ponerlo sólo por debajo de Ocarina of Time, cuya banda sonora es legendaria, y no por una gran diferencia. Ahí donde las últimas iteraciones se vieron un poco opacadas Skyward brilla, iniciando con un tema principal que dejó boquiabiertos a muchos no sólo por su curiosidad musical, sino por su belleza y mérito propio, y que es clara muestra del aire épico que se le dotó a ésta entrega. Curiosamente, las únicas que a mi parecer desmerecen un poco son las canciones a aprender en el arpa, instrumento elegido para que nuestro heroe portara por ésta ocasión. Sin embargo, casi todas las demás piezas son brillantes, emotivas y excelentes elecciones para sentar el ánimo de sus escenarios. Sumamente recomendables el tema del cielo, el del bosque y el tema de batalla de Lord Ghirahim.

Todos los elementos, pues, convergen para narrar una historia. Una historia etérea y atemporal. Una historia que por primera vez el productor de la serie, Eiji Aonuma, nos permite ubicar dentro de la confusa línea del tiempo de toda la saga: justo al principio. <spoiler>Donde toda la magia comienza, donde se forjan la espada maestra y la más terrible sed de venganza, donde nacen los Hylians y Hyrule. No podría ser narrada de otra manera sino con la sutil y casi infantil naturaleza del cuento para niños, con el romanticismo de la fábula y la leyenda. No hay muchas justificaciones ni dilemas morales, sólo un gran sentido de valor y aventura y un amor que lo puede todo – sorpresa agradable al empezar con una Zelda que no sólo no es princesa y conoce al protagonista, sino que tiene una relación muy cercana e importante con el mismo -. Lo que carece en complejidad le sobra en corazón y autenticidad</spoiler>. Probablemente el Zelda con el que más puede identificarse el jugador en un nivel personal, si bien bastante abstracto pero no por ello menos real.

Hay muchos más personajes secundarios relevantes en ésta ocasión, siendo uno de los Zeldas con mejor reparto de personajes no jugables. <spoiler> Fi (el espíritu de la espada maestra) es una versión no maniaco-homicida de GLaDOS, una ayudante cuya distancia con el mundo de los humanos la hace parecer más robótica que mágica pero con su buen toque de simpatía. Desgraciadamente su ayuda – aunada a otros factores de jugabilidad -  hace que Skyward Sword peque un poco del mal de las grandes superproducciones de videojuegos de hoy en día: creer que el jugador es idiota (es MUY que me quedan pocos corazones Fi, pero gracias por molestarme con un mensaje aparte del pitido y de la gráfica de corazones a punto de terminarse). Quien se lleva las palmas es Ghirahim, nuestro antagonista durante casi toda la odisea hasta que su verdadero propósito es descubierto. Como extraído de la versión más bizarra y malévola del Cirque du Soleil, este arrogante y narcisista demonio es un rompimiento un tanto drástico con el típico enemigo de link, más cercano a Majora o a Vaati (de cuyos juegos Skyward Sword toma bastante inspiración) en cuanto a su personalidad volátil y carácter ególatra. Ecuánime y condescendiente al inicio, vemos cómo se va degenerando cada vez más al encontrar en el héroe escogido un rival mucho más digno de sus habilidades de lo que él había esperado y cómo al batirse por última vez con su igual y némesis – la espada maestra, encarnada por Fi  – la batalla se asemeja más a una macabra y encendida danza de ballet donde se juega el destino del mundo. Al final de todo, tras la aparentemente breve – pues en realidad nos enfrentamos a él por tres veces durante el juego -
e imponente aparición de Ganon con su forma y nombre original, todas las bases de la leyenda se sientan frente a nosotros.</spoiler>. Un capítulo medular del mito que sin duda agradecemos la gente obsesiva y ridícula los fieles seguidores a la saga.

Para finalizar, los dejo con mi dolorosa desición de empujar a Twilight Princess y a los demás un peldaño abajo en mi lista de Zeldas favoritos, pues ponerlo más abajo no le haría justicia. Si no está por encima de Ocarina o de Link to the Past es sólo porque no representó en ésta época lo mismo que aquellos en las propias, pero Skyward Sword es sin duda una colección de los mejores rasgos de la serie, una de las lecciones más grandes de jugabilidad de la generación actual y un homenaje a la saga más icónica de los videojuegos que no se limita a la simple admiración, sino que empuja los límites en direcciones excitantes e inesperadas.

Sé que no me escuchan, pero señores Aonuma y Miyamoto (y todo el Zelda Team)… !Gracias!

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A pesar de su escasa credibilidad, ese sujeto fué una muy buena influencia para mi acervo de videojugador. Tenía un excelente gusto en RPGs: gracias a él conocí a Super Mario RPG, Earthbound (del cual no sólo poseía una copia, sino también la increíble guía del jugador que por todo un verano me prestara a cambio de Star Fox) y otros tantos. Entre ellos, el que le tengo más agradecido sin duda es The Legend Of Zelda: A Link to the Past. Uno de mis juegos mas ultrarequeterecontra favoritos de toda la vida (cosa que ya he dejado en claro en alguna otra ocasión). Ese nunca me lo prestó, sin embargo, porque siempre estaba en manos de algun otro de nuestros amigos.

Nos lo presentó como “La leyenda de Zelda y Link, que pasaba” y en nuestro total desconocimiento del idioma anglosajón esa fué otra de sus clásicas mentiras que optamos por creer. Después de jugarlo por primera vez en casa de alguno de nosotros, no podía quedarme tranquilo y esperar indefinidamente hasta que a alguien se le ocurriera que era mi turno de tenerlo. Ese juego pintaba demasiado bueno y yo tenía que tenerlo YA. Las finanzas familiares, sin embargo, decían otra cosa muy distinta.

Con la nueva hermanita y la bella situación económica del méxico post-salinista, la liquidez no era precisamente algo característico en nuestro hogar y mi querida madre, con su sutileza acostumbrada, se limitó a un

Hasta crees que te lo voy a comprar. Si mucho te lo rento en BlockBuster

Pronto se arrepentiría de esas palabras. A Link to the Past no es precisamente el juego más sencillo que un niño de 10 años pueda resolver por su cuenta en una sóla sesión. Nada mejora aventurarse en él sin conocimiento previo alguno. Sobra un poco mencionar, pues, que no fue una ni dos ni tres las ocasiones en las que mi mamá tuvo que rentar el dichoso juego. Recuerdo haberme trabado horriblemente justo antes del tercer calabozo, cuando debes viajar al mundo oscuro por primera vez. Convertido en un conejo disfrazado e inútil, no tenía la más mínima idea de cómo progresar ni que el acertijo estaba únicamente basado en la colocación del portal que te regresaría al mundo de la luz. Desesperado, durante la última noche del periodo de renta correspondiente, me puse a ir y regresar a la realidad oscura sin ton ni son hasta que accidentalmente terminé en la parte de arriba de la montaña, en la posición que necesitaba desde hace unas 5 horas. Con un renovado espíritu de aventura, era obvio que una renta subsequente había de presentarse, y otra, y otra más. Entre dichas rentas, aprovechaba mi enriquecedor tiempo escolar para discutir con los amigos del juego y escuchar a Ricardo hablar de los medallones mágicos y del impresionante poder de Bombos (el cual para mi sorpresa si existía).

Después de una buena cooperación con nuestra sucursal de Blockbuster de preferencia (al respecto de lo cual mi mamá aceptara que a ese punto hubiera sido mejor SI comprar el juego), la aventura de Link en Hyrule llegó a su épico fin. No se escatimaron recursos: llegué con las cuatro botellas, la espada dorada, las magias, los bastones y casi todos los corazones. Aún así no fue tan fácil derrotar a Ganon, pero salí victorioso. Desde ese entonces he tratado de no dejar pasar ningun título de la saga y hasta el día de hoy no me ha decepcionado.

Espero poder hacerme muy pronto de Skyward Sword, el nuevo título – del cual la crítica habla maravillas – que oportunamente llega como celebración de los 25 años de un legado que ha influenciado el mundo de los videojuegos como muy pocos. Pero esa, como dijo la nana goya, será otra historia.

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En éste juego hay un principio que se sigue en casi todos los escenarios y acciones: buena locomoción. Arkham City no es la ciudad más grande ni la más chica que se haya visto en un videouego, pero recorrerla es sencillo y reconfortante. Sencillo en cuanto a las herramientas diversas que el caballero oscuro tiene a su disposición desde el inicio, que en una buena desición de diseño de fueron heredadas de la aventura anterior en el asilo de Arkham. Reconfortante porque están muy bien balanceadas y te dan la sensación de que la ciudad es tuya y que eres imparable, con sus respectivas excepciones que sólo agregan una mayor satisfacción en el momento en que son superadas. Buena locomoción también en su ya famoso sistema de combate mano a mano, de nombre clave “Free Flow” (lo cual ya dice mucho del principal objetivo en la mente de los desarrolladores). Encontrarse con una enorme bola de maleantes en cualquier juego puede ser frustrante y equivaler a 5 minutos de aplastar el mismo botón como simio, cuando en Arkham es un deleite utilizar los mil y un trucos que un baticinturón puede ofrecer para deshacerse de los malechores en una danza que si no estuviera tu a cargo sentirías que está coreografiada.

En parte lo está, y es ahí donde reside una de las fortalezas en el diseño del juego. Rocksteady tenía muy claro lo que quería ofrecer a sus jugadores: ponerse en los zapatos de Batman. Como todos bien sabemos, muy pocas personas en la vida real podrían llenar las botas del murciélago, pero en la vida virtual tampoco es tan directo. Como explicación les presento mi propia experiencia con el juego:

Al inicio, como ya comentaba, Batman posee todos los artilugios del juego anterior – cosa bastante lógica que casi ningún juego de éste tipo sigue, por razones importantes en cuestión de jugabilidad pero no por ello menos cuestionables -. Eso significa que ya hay una combinación de botones establecida para lanzar el bati-boomerang, el bati-explosivo plástico, el bati-garfio escalador y como otras tres o cuatro bati-tranzas que le ayudan al héroe. Además de la activación del modo detective (en el que los enemigos son resaltados, además de los puntos donde batman puede esconderse de sus agresores) y el modo de exploración (para las pistas que deja el acertijo), así que sobra decir que para el novato las cosas se pueden poner muy confusas muy pronto. Muchas veces, cuando quería planear con mi capa a lo largo de un tramo de la ciudad aplastaba el botón incorrecto y terminaba lanzándome en picada en lugar de utilizar el garfio y ganar más impulso. Cuando una banda de maleantes con armas me rodeaba, en vez de tirar una bomba de humo arrojaba un bati-boomerang y caía rafageado. Varios de éstos incidentes me sucedieron durante la primera etapa (relativamente sencilla, cabe mencionar) y sólo pude sentirme como el Batman más torpe de la historia. En serio, hubo algún punto en el que consideré dejar de jugar porque me sentía mal con el legado del más grande detective del mundo y lo mal que yo lo estaba haciendo ver. Pero seguí, confiando en que un poco más de práctica me sacaría del atoyadero.

Corte a unas horas después, yo era el amo de la obscuridad. Podía ver el miedo en los ojos de mis enemigos desde una gárgola 50 metros más arriba de su posición. Hallaba a una presa solitaria, bajaba y ejecutaba (bueno, neutralizaba porque Batman no mata) y en un instante estaba de nuevo asechando a una nueva víctima. Ni hablar de los pandilleros fracasados que seguían a cualquiera de los múltiples supervillanos del juego. Mientras más fueran mejor, caían bajo mis puños a diestra y siniestra y yo con algun que otro rasguño, pero siempre superior. Una vez que le tomé la medida, le hice justicia al justiciero (si, la redundancia es a propósito) y me sentí como pez en el agua.

Salvo por uno que otro detalle, me atrevo a decir que la experiencia central a la que Rocksteady apuntaba está excelentemente plasmada en Arkham City. He leído y escuchado entre varios analistas del medio que ésta es no sólo una gran entrada en el mundo de los videojuegos creados a partir de una licencia, sino que és también la experiencia más inmersiva que cualquier persona puede tener en la realidad de Batman. No es la mejor pieza artística que represente al caballero oscuro, ni por mucho la mejor historia que le haya sucedido al señor Wayne, pero pocas veces un simple expectador se ha podido adentrar tanto en el icónico traje y sentirse legítimamente el hombre murciélago. Ese es precisamente uno de los superpoderes que los videojuegos tienen como medio artístico y de expresión que ningún otro puede imitar y que queda fuertemente ejemplificado con éste título.

Déjenme ponerlo en claro: lograr una inmersión similar no es asunto trivial. Siempre corres el riesgo de desviarte hacia uno u otro lado del espectro de interés, convirtiendo al jugador en un idiota. Si el juego se siente demasiado coreografiado, si por presionar un botón tu personaje acaba con 20 enemigos de un golpe o si te lleva de la mano por todo a modo de que sientas que sólo presionas una secuencia de botones y pasan cosas desconocidas y ajenas a tu voluntad, el jugador puede sentir que el desearrollador lo considera demasiado tonto para su juego (o perder el interés por falta de reto). Si, por el otro lado, necesitaras presionar una combinación de 5 botones en orden y tiempo adecuados para tan sólo dar una patada, el jugador se sentiría tonto porque no es capaz de hacer a Batman verse como debería verse (un poco de lo que me sucedió a mí). Mis ejemplos son exagerados y burdos si quieren, pero sirven para acercarnos a la perspectiva detrás del buen balance del juego y del cómo un personaje como Batman no es sencillo de modelar cuando entra en acción. Ajustes muy refinados y una idea clara es lo que llevó a Rocksteady a lanzar una experiencia tan pulida y gratificante. Tanto se regodean en ello que crearon una sección exclusiva de retos extra (fuera de la historia central) para que seas Batman cuanto más quieras, confiados en que su juego ofrece una oportunidad muy sólida de sentirse el personaje en cuestión.

Ahora empecé a jugar Arkham Asylum, que por obvias razones hace un mejor trabajo de “iniciación” para con el jugador. Les prometería escribir una comparación entre ambos títulos, pero creo que eso ya está muy visto a éstas alturas y además Skyward Sword está a la puerta y por muy Batman que sea no me impedirá abandonarlo en aras de salvar Hyrule por quincuagésima vez.

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No, no es una estafa. Más bien un movimiento muy cercano a la ideología del “Fake it ’til you make it“. El juego no está listo del todo, pero el motor de juego y alguno que otro nivel ya lo están y lo que se adquiere al comprarlo es acceso a éstos, además de todas las actualizaciones que se le haga al juego hasta su versión completa. Un movimiento muy inteligente que cumple con dos importantes funciones.

La más obvia, patrocinar las etapas finales de desarrollo del juego. A éste momento la suma alcanza más de 680 mil dólares, de los cuales una porción le corresponde a los desarrolladores de Voxatron (además de los equipos detrás de los otros dos juegos y las organizaciones de caridad acostumbradas). Sin duda eso impulsará al juego y si el trabajo continúa con el nivel de calidad demostrado hasta el momento tendremos un título muy divertido gracias a los early adopters.

La otra funcion, que si no es la más importante sin duda sustenta a la primera, es la de crear una base de aficionados pevisoriamente. El as bajo la manga esté representado en que el motor de juego no sólo ya es jugable, sino que también fué otorgado a los usuarios en forma de editor de mapas. Es decir, cualquier comprador del juego puede crear sus porpios escenarios y niveles y liberarlos en la red para uso, goce y disfrute de todos los que posean el juego. En una época donde el contenido generado por el usuario es el rey del mercado parece no haber mejor manera de otorgarle encanto a un juego que el de volverlo una herramienta de expresión no sólo del artista, sino también del público. Al lanzar el juego en una etapa no digamos temprana pero si prematura, Lexaloffle se asegura que ya haya personas que no sólo conozcan el título, si no que estén comprometidas con el proyecto y se sientan parte de él (los mejores voceros de una marca) colaborando con ideas y formando las bases de una comunidad sólida. Puede sonar exagerado, pero vean los pasos de Minecraft y como ahora tiene su propia convención y queden convencidos de lo efectivo de ésta estrategia.

Como bien lo comenta el buen Jesse Schell en The Art of Game Design, son los juegos (y franquicias de entretenimiento en general) que crean mundos (realidades) bastos y consistentes y los que permanecen en la mente del jugador por años. Si tu juego puede hacer florecer una comunidad burbujeante de mini-desarrolladores independientes, todos volcados sobre tu juego y como hacerlo mejor, la creación uno de éstos mundos es un resultado casi automático. El aspecto social (otro de los elementos claves en la creación de entretenimiento) trabajando a tu favor es clave en el éxito de éstas empresas.

Una idea similar comparten los compañeros de Voxatron en este Humilde Paquete Independiente (se oye como propaganda política en español). Blocks That Matter está mucho más terminado, con una campaña para un sólo jugador completa, pero plantea la misma idea en su sección de retos creados por los usuarios (imposiblemente más difíciles que los hechos por los creadores del juego y con un nivel de ingenio respetable). The Binding of Isaac -el mejor de los tres a mi gusto- no te da precisamente herramientas, pero si posee un replay value casi infinito al generar los niveles de manera procedural. En palabras normales, cada vez que juegas los escenarios, retos y recompensas son distintos, asegurándose que jamás atravieses la misma versión del juego dos veces. Solía odiar los roguelikes, talvez sea Isaac quien cambie mi opinión.

Habrá que ver si la ambiciosa movida de Voxatron resulta exitosa, pero por lo pronto creo que tiene lo necesario para llegar lejos. Aún les quedan 7 días para aprovechar la mágica oferta de pagar lo que quieran por éstos juegos, no la dejen pasar y si captura su atención lo suficiente podrían llegar a hacer el próximo mapa más popular o el reto más divertido.

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Recomendación flash!!! (ajaja si entienden…el juego de palabras?… yo sé que soy gracioso, es sólo que ustedes no me comprenden). Hoy entre mi basura habitual selecto grupo de fuentes de información me llegó la recomendación de Thelemite, un brawler de apariencia retro en 2D. Nada espectacular, dirán.

Desde el principio, éste es un juego con un montón de actitud y nada de sentido común. Controlas un programador que, cansado de su aburrida vida, se somete a una sospechosa operación que lo convierte (exitosamente) en un ninja mutante. Ahora quien te creo busca destruirte y pasará todo el juego intentándolo. No hay una sola cosa que se tome en serio así misma, desde los ridículos nombres de las mejoras que puedes hacer a los personajes hasta los tutoriales/intentos de homicidio por los que tu creador te guía.

Me tomó como media hora – 45 minutos terminar la historia. Pero el punto (aunque los diálogos son muy buenos) no es ésta, sino el asombroso poder de destrucción que te hace sentir el juego. Si están estresados será una experiencia liberadora sin duda, pues el mismo título sabe cuales son sus puntos fuertes y aún cuando lo acaben les ofrece la posibilidad de jugar en modo “libre”, matando a cuanto mutante y alimaña puedan.

Una buena piececilla de entretenimiento que deberían checar!

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